В музее Врубеля - выставка «Стиль в зеркале эпохи»

В музее Врубеля - выставка «Стиль в зеркале эпохи»

В Омском областном музее изобразительных искусств имени М.А. Врубеля восстанавливается экспозиция «Стиль в зеркале эпохи» (Исторические стили в русском интерьере. Декоративно-прикладное искусство XVI – начала XX века).

Задача данной экспозиции – показать образцы исторических стилей XVI – XX веков. Под стилем обыкновенно понимают совокупность основных черт и признаков архитектуры, мебели, предметов декоративно-прикладного искусства. Предметы, представленные на выставке (мебель, изделия из керамики, стекла, камня), когда-то органично и непосредственно жили в интерьерах своей эпохи. Интерьер всегда взаимосвязан с архитектурными стилями. Архитектура является организующим началом, и эволюция интерьера в целом следует за ее стилистическими изменениями. Интерьер более чутко реагирует на изменение вкусов и эстетических требований, чем архитектура. Единым с интерьером должен быть и предметный мир, в нем находящийся. В различные эпохи у разных народов существовали свои особые представления о красоте и гармонии.

Первый зал


В первом зале представлены предметы прикладного искусства, созданные в эпоху Возрождения (XVI в.) и барокко (XVII и первая половина XVIII в.).

Декоративно-прикладное искусство Возрождения отличает гармония форм, равновесие частей, использование античных мотивов, высокое художественное качество произведений, эскизы для которых нередко выполнялись великими художниками.

Один из интересных экспонатов нашего музея – шкаф-кабинет. Это прекрасный образец резьбы по дереву конца XVI – начала XVII века (переходное время от Возрождения к барокко). Один предмет выполняет две функции: кабинета, т.е. настольного шкафчика со множеством ящиков для хранения документов (верхняя часть), и шкафа (нижняя часть), за дверцей которого скрываются выдвижные ящики. Декоративное оформление шкафа-кабинета напоминает архитектурный фасад: карниз, оконные и дверные проемы, арки порталов.

Эпоха Возрождения представлена итальянской майоликой. Майолика – вид керамики, изделия из обожженной глины, покрытые непрозрачной глазурью. Глазурь – это стекловидное покрытие на керамических изделиях, придающее водонепроницаемость и блеск черепку, т.е. обожженной неглазурованной глине. Эта техника пришла в Европу через арабских торговцев, а термин произошел от названия острова Мальорка в Средиземном море – центра экспорта испано-мавританской керамики в Италию, где центрами производства майолики стали Фаэнца и Урбино. В технике майолики выполнялись сосуды для вина и воды, кувшины, блюда, тарелки, аптечная посуда. Более изящные сосуды играли роль ценного подарка. Наиболее характерные цвета глазури итальянской майолики этого периода – белый и синий. Предметы покрывал гранатовый узор, розетки, аканты (элемент античного орнамента, прообразом которого является растение с нежными и гибкими листьями), пальметты (элемент античного орнамента в виде стилизованного веерообразного пучка пальмовых листьев), арабески (причудливый орнамент, возникший на арабском Востоке и состоящий из геометрических фигур, растительных форм и надписей), встречались погрудные изображения мужчин и женщин в костюмах своего времени.

Стиль барокко возник в Европе в результате эволюции стиля Возрождения. Основные признаки его: повышенная и подчеркнутая монументальность и динамичность сложных криволинейных форм. На смену рациональности Возрождения пришла иррациональность барокко. Деревянные части барочной мебели имеют гнутые, волнообразные очертания. Мягкие части мебели обивались цветным штофом.

К началу XVII века хрупкую и тяжелую майолику вытесняет фаянс (изделия из обожженной глины со специальными примесями). Особенно славился делфтский фаянс (Голландия). Мастера Делфта добились таких успехов, что конкурировали с фарфором, который привозили с Востока. Китайский фарфор повлиял на художественное оформление делфтского фаянса в мотивах и в цвете росписи – часто синим кобальтом по белому фону.

В XVIII веке в России становятся популярными большие парадные кубки, бокалы, стопы из стекла, для декорирования которых использовались техники холодной обработки: гравировка, резьба, шлифовка, – иногда в композицию включались пышные растительные орнаменты, вензели, профильные изображения в медальонах, применялось золочение.

В XVIII веке в России получили распространение уральские изделия из меди. Характерными примерами являются стопа и кружка. Урал стал крупнейшим металлопроизводителем с 1730-х годов. Подобные предметы были очень популярны не только у местных жителей, но и в столичных городах России. На них нанесен типичный барочный орнамент в виде переплетающихся S-образных завитков, листьев и стеблей.

Завершающей стадией барокко является рококо (некоторые исследователи выделяют его как самостоятельный стиль) – это стиль дворянских аристократических салонов. Рококо находит свое наиболее полное выражение в искусстве украшения интерьера. Его цель – доставить удовольствие, создать уютное, изящное, удобное пространство.

Яркая особенность рококо – любовь к фарфору. Это благороднейший и наиболее совершенный вид керамики. Масса фарфора не только на поверхности, но и в изломе абсолютно белая. Ее основой является белая глина – каолин, а черепок покрыт просвечивающей глазурью. Если дважды обожженная фарфоровая масса оставляется без глазури, то получается так называемый “бисквит”, который широко применяли в мелкой пластике рококо для создания самостоятельных произведений, а также для лепного декора посуды.

Фарфор был изобретен в Китае в V–VII веке. Мастера строго хранили тайну его производства, и только в 1709 году немецкий ученый И. Беттгер открыл секрет фарфора, в следующем году была основана первая фарфоровая мануфактура в Майссене, и майссенский фарфор на долгое время стал образцом для всей Европы, в том числе для Франции, где в 1756 году была основана Севрская мануфактура. Севрский фарфор отличался особой пластичностью и изяществом, не подражал ни восточному, ни майссенскому. В России фарфор впервые получен Дмитрием Ивановичем Виноградовым, и в 1744 году указом императрицы Елизаветы Петровны был открыт фарфоровый завод в Петербурге (Порцелиновая мануфактура). С этого времени начинается история русского фарфора.

Экспозицию выставки дополняют два натюрморта неизвестных фламандских художников эпохи барокко, остальные полотна, представленные в зале, – копии выдающихся произведений живописцев XVI – XVII веков: Беллини, Тициана, Рембрандта.

Второй зал


В 60-х гг. XVIII века барокко и рококо постепенно сменяются более сдержанным стилем, в котором проявляется интерес к античному наследию. Новый стиль – классицизм – просуществовал около семидесяти лет и прошел в своем развитии три стадии: ранний, строгий, поздний (ампир). Первый период (60 – 70-е гг.) – стилистический компромисс, когда в художественной культуре проступали новые идеалы, но еще заметны были следы барочной пышности: повышенное внимание к декоративным элементам. Постепенно они уступают место симметрии, четкости вертикальных и горизонтальных членений, усиливается интерес к античности. На смену яркости и блеску в интерьере, в мебели и в других видах декоративно-прикладного искусства приходят умеренность и простота. Ранний классицизм в России и за рубежом был легким и изысканным, зрелый – строгим и торжественным. Для ампира характерен прием контраста, линейность в прорисовке очертаний предметов и их деталей. Орнаментация строится на античных мотивах с включением триумфальной символики: лавровых венков и гирлянд. Это связано с историческими событиями эпохи Наполеоновских войн. Излюбленный материал для мебели – красное дерево, карельская береза. Мотивами для ее декорировки служили венки, рога изобилия, лиры, сфинксы, грифоны, лебеди, букрании, львиные лапы. Изображения животных, реальных и фантастических, использовались обычно для ножек и локотников кресел и диванов. Широко применялись и архитектурные мотивы: антаблементы, карнизы, фронтончики, колонки. В зале представлена мебель разных этапов классицизма: комод (переход от рококо к классицизму), шкаф (ранний классицизм), бюро, стол, кресла (ампир).

На выставке экспонируются предметы из фарфора, созданные мастерами разных стран Европы: Германии, Франции, Англии, Австрии, России. За строгостью форм, изяществом орнамента произведений второй половины XVIII века следуют помпезность, цветовые контрасты и обилие позолоты ампирных изделий. Основной декор классицистического фарфора – цветы и гирлянды, ампирного – античные и египетские (в связи с завоеваниями Наполеона) мотивы. На севрском фарфоре изображены портреты французских красавиц. Изделия Севрской мануфактуры приобрели особую известность во второй половине XVIII века. Севрские бисквиты в классическом стиле получили европейскую известность – маленькие фигурки ассоциировались с античными мраморами. А первая половина XIX века считается временем расцвета русского фарфора, когда была введена пошлина на ввозной иностранный фарфор, – это способствовало развитию отечественного производства, и появилось несколько десятков частных фабрик.

В ту же эпоху получают распространение предметы из бронзы: настольные часы, письменные приборы, светильники. По-прежнему бронза вводится и в отделку мебели – в виде накладных деталей. В музее хранится интересная коллекция часов (в основном каминных и настольных), служивших для украшения парадных интерьеров. В зале представлены часы “ Амур и Психея”. Амур – сын богини любви и красоты Венеры – был влюблен в Психею (олицетворение человеческой души). Сюжет для оформления часов “Клятва Горациев” взят из римской истории и повторяет композицию знаменитого полотна французского художника Давида.

Светильники из бронзы и камня (подсвечники, канделябры, торшеры) – важный элемент оформления интерьеров. Канделябры из малахита, выполненные в технике русской мозаики, отличают строгость формы и красота рисунка природного материала, искусно подобранного мастером.

Каменные вазы – непременный атрибут парадных интерьеров этого времени, свидетельство высокого совершенства русских мастеров, работавших с камнем. Ведущие центры камнерезной промышленности – Петербургская, Екатеринбургская, Колыванская фабрики. Успех русских камнерезов во многом объяснялся тем, что они работали по эскизам выдающихся столичных архитекторов, в том числе А.Н. Воронихина. Ваза из калканской яшмы с бронзовыми фигурками маленьких фавнов, играющих на свирелях, – работа В.О. Коковина, представителя династии камнерезов из Екатеринбурга. Великолепно отполированная поверхность камня демонстрирует тончайшие цветовые нюансы яшмы. В центре зала – большая чаша на невысокой ножке из знаменитого алтайского фиолетового порфира, одна из последних больших работ колыванских мастеров. Каменные вазы простых и благородных форм составили гордость и славу русского декоративно-прикладного искусства.

В зале представлены два полотна русских живописцев середины XIX века: пейзаж “Горное озеро” Е.Е.Майера и портрет Я.И.Ростовцева кисти С.К.Зарянко, а также копия головы античной статуи Венеры Мелосской работы неизвестного скульптора XIX века.

Третий и четвертый залы


XIX век – сложное явление в стилистическом отношении. Для классицизма единственным образцом для подражания была античность. С 30-х годов XIX века, вслед за угасанием классицизма, проявляется интерес ко многим историческим стилям прошлого, мастеров привлекают, наряду с античностью, и готика, и рококо, и древнерусское, и восточное искусство – начинается период историзма и эклектики. Историзм – это целостное и органичное заимствование стилей искусства прошлого, когда допускалось даже прямое цитирование. Роль интерьера в период историзма возрастает, он максимально наполняется декором и различными предметами. В эклектике отсутствует целостность, детали различных стилей смешиваются между собой в одном произведении, а предметы убранства различных стилей – в одном интерьере. Мебель и произведения декоративно-прикладного искусства, представленные в этом зале, свидетельствуют об интересе мастеров XIX века к формам и декоративным приемам предшествовавших эпох: черный гарнитур выполнен в стиле мебели XVII века, тумбы и часы – обращение к эпохе Людовика XIV, зеленый гарнитур – образец эклектики.

20-40-е гг. XIX века – период романтического увлечения средневековьем, особенно готическим искусством. Средневековые элементы нашли отражение в “Готическом сервизе” из двухслойного стекла.

В связи с раскопками древних Помпей (город погиб в результате извержения Везувия в 79 г.н.э., а археологические раскопки начались во второй половине XVIII века) в эпоху классицизма, особенно ампира, распространилась стилизация форм и декора под римскую античность – т.н. “помпеянский стиль”, в том числе в изделиях из фарфора.

Один из самых популярных стилей середины XIX века, подражавший искусству середины XVIII века, – “второе рококо” (“а ля помпадур”). Для орнамента рококо, как и прежде, используются мотивы раковины и завитков. “Второе рококо” – это изящество и легкость отделки, нарядность мебели и фарфора.

Французские часы в технике “буль”, представленные в этом зале, сохранили имя мастера-мебельщика XVII века. Он изобрел инкрустацию дерева пластинками меди и черепахи. В форме часов и декоре прослеживается интерес к эпохе “Большого стиля”, или стиля Людовика XIV, cоединявшего элементы классицизма и барокко. Время правления этого “короля-солнце” известно в истории как “золотой век французского искусства”, поэтому не случайно на часах дважды изображено солнце, напоминавшее о том, что солнце никогда не заходит над Францией.

На протяжении всего XIX века наблюдается интерес к искусству стран Востока. Восточные художественные элементы использовались в декорировке предметов из стекла, фарфора, металла, в орнаменте ковров. Иногда в интерьерах встречались и подлинные предметы, привезенные с Востока, но чаще – созданные в подражание Востоку. В зале представлено стекло и фарфор в стиле “шинуазри” (“китайщина” – подражание китайскому искусству в творчестве европейских мастеров).

Тронное кресло из черного дерева с серебряной спинкой было подарено в 1908 год русской императрице Александре Федоровне депутацией донских калмыков. Его декоративные элементы восходят к буддийской традиции.

Особая страница в истории стилей XIX века – варианты “русского стиля”, возрождение национальных традиций. Фарфоровая ваза, формой и росписью напоминающая сторожевую башню, братина и ковш из стекла с клеймами и надписями, традиционное пасхальное яйцо из фарфора – примеры “неорусского стиля”.

Рубеж XIX и XX столетий – время великого перелома в сознании и в жизни, поэтому не случайным было и рождение нового стиля – модерна, который, протестуя против подражательности, отказался от канонов, резко противопоставил себя почти всем предыдущим стилям, зачеркнул классицистическую традицию и выступил с программой обновления искусства. Художники нового стиля отрицали не всякое наследие: они искали поддержку в искусстве древнем, народном и средневековом, причем решающая роль принадлежала средневековой традиции. Их привлекала целостность мировоззрения древних мастеров, синтетическое искусство прошлого. Основная идея модерна – преобразование окружающего мира посредством красоты (средствами искусства). Один из основных принципов модерна: уподобление художественной формы – природной. В орнаменте модерна преобладает волнообразная линия, излюбленный мотив декора – цветок, особенно ирис, лилия, хризантема, мак, лотос. Важное значение имеет выразительность цвета и формы, гармоническое соотношение полезного и прекрасного. Модерн – современный, новый стиль, он утверждает творчество и новизну во всем.

Модерну в России соответствуют Ар Нуво во Франции и Англии, Сецессион – в Австрии, югендстиль – в Германии, либерти – в Италии.

Вазы из стекла, представленные в зале, – работа русских и западноевропейских мастеров модерна, в том числе знаменитого французского мастера Эмиля Галле, усовершенствовавшего технику многослойного стекла.

В экспозиции демонстрируется копия фрагмента Сикстинской мадонны великого итальянского художника эпохи Возрождения Рафаэля, выполненная в технике росписи на фарфоре неизвестным художником XIX века. На больших фарфоровых вазах, выполненных мастерами Императорского фарфорового завода в Петербурге, изображены живописные копии с картин голландских художников XVII века: Ф. Мириса, “Утро голландской дамы” (копиист А. Тычагин), и К. Метсю, “Завтрак” (копиист Е. Щетинин).


Информация предоставлена Омским областным музеем изобразительных искусств имени М.А.Врубеля
(Адрес: ул. Ленина, 23, тел. 24-15-64)


Поделись этой новостью с друзьями

Отзывы


Отзывы отсутствуют


Добавить отзыв

Выберите дату
Что будем искать?
Отправка СМС
Подписка на новости